GAIA'S CORNER #17 - Saturday Night Fever (1977)

Saturday Night Fever (1977)

Bee Gees / AA.VV. 

Ma famme sballà, ma che me frega!

Sarò un’inguaribile bambinona, ma a me la fiera piace, perlomeno quella del mio paese ecco. 
Anche se è peggiorata, era meglio prima, dove andremo a finire, non so dove parcheggiare e altre mille cose che senti per tutta la sua durata, continua a darmi qualcosa. La sento, nell’aria, nei profumi, nel “inserire il gettone via che si riparteee”.  Aggregazione sociale: rivedi gente magari sparita dai tuoi radar da anni, rivivi cose, fai confronti. Da ragazzina, ci vai con qualche outfit di moda in quel momento per sparare le tue cartucce (per me felpa Lonsdale e numberine, così per sputtanarmi un po’) e provare timidamente a farsi notare, oppure provare ad essere come tutti gli altri (in base ai propri traumi). 

 

Segna l’autunno più puro e (anche più di) qualche anno fa il ripartire della stagione dei locali invernali, le prime discoteche. Forse per questa strano volo pindarico della testa, ho scoperto da adolescente un disco in argomento proprio in questo periodo, che per questa fortuita coincidenza mi si è stampato ancora di più nel cervello.

 

 

Mentre provavo la Electro House saltuariamente al sabato sera, il resto della settimana approfondivo spasmodicamente (anche) la Disco Music. È un ragazzone di ben 49 primavere fa (preparatevi perché l’anno prossimo è pieno di cinquantesimi pazzeschi!!), ma in qualche modo è sempre attuale, il suo sottobosco si inserisce bene in tutti i contesti storici soprattutto attuali.

Si metta sul piatto dunque il suddetto, parte “Saturday Night Fever” (1977).

 

Doppio lp, antologico del genere disco music, lo consacra e lo fa esplodere. È giusto però ricordare che non è affatto il punto di partenza come si pensa erroneamente ma la cima della rupe prima della caduta in picchiata. Da lì in poi, nascono movimenti di rifiuto (emblematico vedere i filmati di americani che si riuniscono in campi sportivi a bruciarne i dischi con spilline e adesivi tuonanti “DISCO S*CKS”) verso la tendenza che in qualche modo apre la strada ai futuri anni ‘80 (non è un caso se lo Studio 54, tempio della Disco, chiude i battenti della formazione originale e più fortunata i primi mesi del 1980).

 

In principio è stato dunque un verbo, Tribal Rites of the New Saturday Night, reportage del ‘76 che racconta un nuovo fenomeno di dilagante tra i giovani ormai da qualche anno: locali underground, nascosti, con una musica emergente, dove qualunque maggioranza e minoranza dell’epoca può essere se stessa e una cosa sola, abbandonare lo stigma sociale che tanto segnava la gioventù dell’epoca. Sono anni di importante disoccupazione e disagio, il ‘79 con la crisi petrolifera è solo la ciliegina sulla torta, i giovani hanno pochissime ambizioni e la necessità di trovare immediato impiego per sbarcare il lunario, il futuro è incerto.

 

 

In questo sottobosco nasce il personaggio di Tony Manero, o per meglio dire Robert Stigwood e Norman Wexler lo concepiscono dalla lettura dell’articolo e ne fanno un antieroe moderno, interpretato da un magistrale John Travolta, che ci mette del suo nella caratterizzazione del personaggio. Tralasciando il fatto che anni dopo l’autore dell’articolo ha ammesso che in realtà la storia narrata non fosse una storia vera come inizialmente affermato, quello che conta è la fedeltà del contesto sociale descritto. 

 

Il film esce ed esplode la mania in tutto il mondo. Travolta viene lanciato nell’iperspazio delle stelle di Hollywood.
Non c’è alcuna volontà di combattere, solo sopravvivere, dimenticare per una sera. Ci si imbelletta, si mette il completo di poliestere, la camicia a collo alto, stivale alla moda e si va a fare stragi in pista. 

 

Il disco ritrae in musica tutto quello finora descritto. 
I brani incidono nella pietra una storia che già tutti conoscono in quegli anni, Bee Gees e company girano da anni ormai (questi ultimi poi hanno una carriera che inizia almeno 15 anni prima del film, dai che lo sapete). Il tema preponderante è l’amore (“More than a Woman” mi scava nel cuore col minipimer ogni volta) ma non tragico eh, tutto molto leggero. La voglia di divertirsi, alcuni sono brani principalmente strumentali e addirittura versioni disco di classica (la celeberrima “A fifty of Beethoven”).

 

Menzione a parte per la geniale “Night on disco mountain”, riscrittura di David Shire dell’opera di Musorgskij, che nella versione disco non perde l’originale aura di mistero e misticità, quasi a ricreare una dimensione che si dissolve verso l’alba, le campane a pulire in dissolvenza la danza macabra di queste anime disperse in giro per Brooklyn dopo lo sfogo sulla pista. 

 
 

La disco ritratta, come quella già consolidata da almeno metà decennio, mille contaminazioni: c’è la salsa e il ritmo latino, gli archi e i fiati sono i guizzi dei brani, le schitarrate di inizio decennio sono momentaneamente in cantina, lasciano spazio a malapena alla ritmica, le percussioni sono leggerissime, prevalgono i piatti e la manualità di maracas e triangoli.

Una mescolanza di stili e culture tanto reale nella musica quanto irreale fuori dalle discoteche, dove si sguazza nelle proprie miserie e non c’è spazio per la fratellanza, quando in realtà la vera uguaglianza è che siamo tutti in una guerra tra poveri nel corpo e nello spirito. 
Un’atmosfera fin troppo attuale ma che come nel film, ogni tanto si può provare a dimenticare.

Gaia Beranti

 

 

 

 

 LEI, oltre il ritratto: a Parma la mostra sulle donne da Van Gogh a Modigliani

 

Dal 2 ottobre 2026 all'8 marzo 2027 il primo piano del Palazzo del Governatore ospita "LEI. Ritratti di donne, da Van Gogh a Modigliani e oltre. Capolavori dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea", con oltre sessanta opere provenienti dalla GNAMC di Roma: un viaggio nella rappresentazione della donna, da Hayez e Van Gogh fino a Francesca Woodman e Marinella Senatore.

 

C'è una domanda che attraversa l'intero progetto di LEI: che cosa significa guardare, ed essere guardate? Specchi che riportano lo sguardo su chi osserva, partizioni tessili pensate per creare intimità attorno alle figure rappresentate, versi della poeta performativa Olympia disseminati lungo il percorso come controcanto silenzioso ai pensieri delle donne ritratte. LEI non è soltanto una rassegna di capolavori, è una mostra che interroga il gesto stesso del ritrarre.

 

La mostra è il secondo capitolo del protocollo d'intesa tra il Comune di Parma e la GNAMC di Roma, dopo il successo della retrospettiva "Giacomo Balla. Un universo di luce". Il progetto si inserisce in "Museo migrante", l'iniziativa ideata dalla GNAMC per far viaggiare fuori da Roma una collezione che è la più ampia sul territorio nazionale per l'arte italiana e internazionale dell'Ottocento e Novecento, un prestito eccezionale, con opere raramente concesse in uscita.

La curatela è affidata a Renata Cristina Mazzantini, direttrice della GNAMC, e a Cesare Biasini Selvaggi. La scelta dell'anno non è casuale, il 2026 è l'ottantesimo anniversario del voto alle donne in Italia, e il percorso usa i ritratti per osservare come la figura femminile sia stata guardata, immaginata e rappresentata e come, lentamente, abbia cominciato a raccontare se stessa.

 

Francesco Hayez, Bagnante

Il percorso, oltre sessanta opere tra dipinti, sculture, disegni, fotografie e un arazzo monumentale, articolate in sette sezioni tematiche, attraversa oltre due secoli di storia. Si parte da "LEI come ideale", la donna simbolo, archetipo, sogno o intensa meditazione esistenziale, da Francesco Hayez, con la "Bagnante", esempio del più alto Romanticismo italiano, a Fattori, Manzù e Fazzini. Segue "LEI nella modernità", dove la figura femminile si appropria dello spazio e dei ruoli pubblici, studia, lavora, partecipa al dibattito culturale, politico e scientifico, tra De Nittis, Boccioni, De Chirico, Sironi, Donghi, de Pisis.

 

L'Arlesienne (Madame Ginoux) - Vincent van Gogh

Poi il cuore più tenebroso della mostra: "Lei come enigma", con la donna misteriosa e sensuale, in alcuni casi femme fatale, tra Modigliani, Medardo Rosso, Boldini, Martini. La quarta sezione, "Lei, il corpo, il volto, la presenza", mette a confronto quattro giganti, Gustav Klimt, Pablo Picasso, Vincent van Gogh e Kees van Dongen, evidenziando la tensione fra la donna come soggetto e la donna come oggetto dello sguardo, con il volto come luogo in cui si concentra un'intera personalità. "Lei e l'intimità" (De Chirico, Guttuso, Savinio, Giacometti, Dora Maar, Man Ray) presenta il corpo come luogo e tema per parlare della persona, della sua individualità e complessità.

Ritratto della marchesa Casati - Giovanni Boldini

Il Novecento si fa voce in "Lei prende la parola", che riunisce opere di Pino Pascali, Francesca Woodman, Giosetta Fioroni e Gian Emilio Malerba, con il diritto della donna di raccontare se stessa e il corpo come esperienza, identità, memoria, denuncia. L'ultima sezione, "Lei, infinite identità. Dal ritratto alla persona", arriva fino al presente, da Vanessa Beecroft a Francesco Vezzoli, da Stefano Arienti a Giuliano Vangi, l'evoluzione dal ritratto alla persona, dall'immagine come definizione del singolo all'immagine come luogo di relazione.

 

Piccola inglese - Giuseppe De Nittis

Tra i prestiti più attesi spiccano l'"Arlesiana (Ritratto di Madame Ginoux)" di Vincent van Gogh, il "Ritratto della marchesa Casati" di Giovanni Boldini, la "Piccola inglese" di Giuseppe De Nittis, la "Carminella" di Antonio Mancini e il "Ritratto di Hanka Zborowska" di Amedeo Modigliani; l'aristocratica polacca Zborowska, ritratta da Modigliani, e Carminella, giovane fanciulla del popolo che emerge dal capolavoro giovanile di Mancini, sono due dei volti più memorabili dell'esposizione.

 

Ritratto di Hanka Zborowska - Amedeo Modigliani

Accanto ai dipinti, le sorprese: tre disegni di Gustav Klimt, tra cui due studi per "Le tre età della donna"; la scultura in cera "Bambina che ride" di Medardo Rosso; la "Figura (Femme de Venise VI)" di Alberto Giacometti; le solarizzazioni dal portfolio "Femmes" di Man Ray; il raro pastello "Femme nu debout" di Picasso, circa 1906, donato alla GNAMC nel 2025 dalla Cy Twombly Foundation. La mostra è anche l'occasione per presentare al pubblico opere di nuova acquisizione della GNAMC, come "Femmes fatales" di Camilla Adami, "Pelléas et Mélisande" di Valerio Adami, "Senza titolo, Indiana I" di Piero Pizzi Cannella e il ricamato "Gloria Swanson Embroidered Her Own Autograph" di Francesco Vezzoli. A chiudere idealmente il percorso, uno dei quattro arazzi monumentali che Marinella Senatore ha realizzato con la Chanakya School of Craft di Mumbai, "The Theatre of Commons", dove la rappresentazione femminile diventa opera collettiva.

 

Pelléas et Mélisande - Valerio Adami

 

Il paradosso dichiarato della mostra è che queste donne sono ritratte, in larga parte, da uomini. L'allestimento prova allora a restituire uno sguardo femminile sulle donne rappresentate; le partizioni tessili sono concepite per produrre un senso di intimità e protezione, gli specchi ricordano cosa significhi essere guardati e in alcune sale le luci sono disegnate per porre il visitatore al centro dell'attenzione, trasformandolo momentaneamente in oggetto della visione al posto del quadro. Fuori dal percorso espositivo, nelle toilette del palazzo, l'installazione site-specific "NONTISCORDARDITE" di Elena Ketra trasforma la superficie riflettente degli specchi sopra i lavelli in un atto di consapevolezza e di riflessione interiore.

 

Solitudine - Mario Sironi

Il filo che tiene insieme due secoli di opere è il progressivo capovolgimento della prospettiva, dalla donna come soggetto del ritratto, idealizzata o osservata voyeuristicamente, alla donna che prende la parola e si autorappresenta, fino alle artiste contemporanee che trasformano il ritratto in relazione. Le donne di questa mostra sono spesso immobili ma non passive, appartate ma non prive di volontà, una definizione che dice molto del modo in cui lo sguardo, dell'artista e del pubblico, è cambiato.

In un'annata che ricorda gli ottant'anni dal voto femminile in Italia, Parma offre così l'occasione rara di vedere in una sola città capolavori che raramente lasciano Roma, e leggerli come pagine di una storia ancora in corso.

 

La ragazza e lo specchio - Cagnaccio di San Pietro

 

 

Informazioni pratiche

LEI. Ritratti di donne, da Van Gogh a Modigliani e oltre. Capolavori dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea — Palazzo del Governatore, Piazza Giuseppe Garibaldi 19/L, Parma, primo piano; dal 2 ottobre 2026 all'8 marzo 2027.

Orari: mercoledì, giovedì, sabato, domenica e festivi 10.00–19.00 (ultimo ingresso 18.00); venerdì 10.00–22.00 (ultimo ingresso 21.00); chiuso lunedì e martedì, 25 dicembre e 1° gennaio. Aperture straordinarie: martedì 8 dicembre e lunedì 8 marzo 10.00–19.00.

Biglietti: intero 12 euro; ridotto 8 euro (over 65, under 16, residenti a Parma, gruppi di almeno 10 persone, chi arriva con mezzi sostenibili e altre categorie); ridotto convenzionati 5 euro; ingresso gratuito per bambini fino a 6 anni, persone con disabilità con accompagnatore, possessori di tessera ICOM e altre categorie, con l'elenco completo sul sito di Parma Welcome. Scuole 2 euro a studente, con prenotazione obbligatoria a info.cultura@comune.parma.it. Acquisti su Vivaticket, presso lo IAT e alla biglietteria della mostra.
Visite guidate: ogni giovedì alle 17.00 visita dedicata agli over 65 (visita gratuita, biglietto ridotto); ogni venerdì alle 20.00 visita dedicata agli under 25, con ingresso gratuito e senza prenotazione.

La mostra è prodotta dal Comune di Parma e dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, con la collaborazione di Solares Fondazione delle Arti e il sostegno di Fondazione Cariparma e Regione Emilia-Romagna.

A cura di Stefano Superchi

MAN RAY: TUTTO. La mostra alla Fondazione Magnani-Rocca

 MAN RAY: TUTTO

La mostra alla Magnani Rocca con più di trecento opere

 

 

«Dipingo ciò che non può essere fotografato, ciò che proviene dall’immaginazione, dai sogni o da una spinta inconscia. Fotografo le cose che non desidero dipingere, le cose che hanno già un’esistenza.»

MAN RAY: TUTTO è la mostra attualmente in corso alla Fondazione Magnani Rocca a Mamiano di Traversetolo (Parma). Questa importante esposizione, definita come la più ampia e completa retrospettiva mai dedicata all'artista in Italia, rimarrà aperta fino al 13 dicembre 2026. Organizzata a cinquant'anni dalla scomparsa del maestro, avvenuta a Parigi nel 1976, la mostra mette in luce il suo concetto rivoluzionario di arte totale attraverso un percorso ricchissimo nella splendida Villa dei Capolavori, immersa in un grande parco romantico popolato da pavoni.

 

L'esposizione raccoglie circa 300 opere provenienti da importanti collezioni che spaziano lungo tutti i linguaggi artistici sperimentati da Man Ray durante la sua eclettica carriera. Tra i lavori in mostra si possono ammirare:

Fotografie e celebri Rayographs, i suoi storici esperimenti con la camera oscura.
Dipinti, sculture e disegni, che testimoniano la sua evoluzione dal Secondo Futurismo alle provocazioni del movimento Dada e del Surrealismo.
Oggetti d'affezione e film d'avanguardia, testimonianze uniche del suo genio senza confini.

 

Ma chi fu Man Ray?
Man Ray, pseudonimo di Emmanuel Radnitzky (Filadelfia 1890, Parigi 1976) fu uno dei più radicali, eclettici e influenti esponenti del Dadaismo e del Surrealismo. Sebbene sia universalmente celebrato come un genio della fotografia del XX secolo, considerava sé stesso prima di tutto un pittore e un artista visivo totale, che sapeva spaziare tra pittura, scultura, cinema d'avanguardia e design. Il suo celebre pseudonimo, adottato ufficialmente nel 1912, unisce il soprannome d'infanzia Manny con la parola Ray (raggio), a simboleggiare il suo profondo legame con lo studio e la manipolazione della luce.

 

Cresciuto a New York in una famiglia di immigrati russi, incontra nel 1915 Marcel Duchamp, figura determinante per la sua crescita artistica. Insieme a lui e a Francis Picabia, tenta di animare il movimento Dada a New York, riscontrando però una forte freddezza da parte del pubblico americano. Nel 1921 i due decidono quindi di trasferirsi a Parigi, capitale mondiale dell'arte dell'epoca. In Europa viene accolto a braccia aperte dalla cerchia dei Surrealisti guidata da André Breton ed entra in contatto con giganti della cultura come Pablo Picasso, Salvador Dalí, Max Ernst e Gertrude Stein. Per sfuggire alla Seconda Guerra Mondiale, nel 1940 rientra negli Stati Uniti, per poi stabilirsi definitivamente a Parigi nel dopoguerra, dove si spegnerà nel 1976.

 

Man Ray scardina i recinti della fotografia tradizionale e la trasforma in pura espressione concettuale "Fotografo ciò che non voglio dipingere. Dipingo ciò che non posso fotografare", amava ripetere. Le sue innovazioni più celebri includono gli oggetti d'affezione (Ready-made), manufatti modificati e privati della loro funzione originale in perfetto stile dadaista. Crea sculture e assemblaggi surreali, chiamati "oggetti d'affezione", che sovvertono la funzione pratica degli oggetti per generare cortocircuiti visivi e psicologici. L'esempio più famoso è Cadeau del 1921, un ferro da stiro sulla cui piastra l'artista incollò una fila di quattordici chiodi, trasformandolo in un oggetto minaccioso e ironico.

I Rayographs (rayogrammi) sono invece immagini fotografiche ottenute senza l'uso della fotocamera. L'artista posizionava gli oggetti d'uso comune direttamente sulla carta fotosensibile per poi esporla alla luce, creando composizioni astratte dal sapore spettrale e onirico.

 

La Solarizzazione è la tecnica di sviluppo basata su un'improvvisa e controllata esposizione alla luce del negativo durante il lavaggio, che genera un caratteristico contorno nero e argenteo attorno ai profili delle figure. Una tecnica di inversione parziale dei toni in camera oscura che conferisce ai corpi e ai ritratti contorni luminosi e un aspetto irreale, quasi fantasmagorico.

 

Tra le sue fotografie rimaste impresse nell'immaginario collettivo spicca Le Violon d'Ingres del 1924, in cui il corpo nudo della modella e sua musa Kiki de Montparnasse, viene assimilato a un violoncello tramite l'aggiunta di due feritoie a "effe" sulla schiena, e Les Larmes del 1930, in cui gli occhi di una donna sono rigati da lacrime di vetro. Ha inoltre rivoluzionato la fotografia di moda ed è stato un prolifico regista di cortometraggi d'avanguardia tra cui Le retour à la raison.

 

Le Violon d’Ingres, che tutti hanno visto almeno una volta da qualche parte, è una fotografia in bianco e nero che incarna perfettamente lo spirito del Surrealismo, giocando sul confine tra corpo umano, oggetto e linguaggio. L’immagine ritrae di schiena Kiki de Montparnasse, pseudonimo di Alice Prin, celebre modella, cantante e musa della Parigi degli anni Venti, che all'epoca era anche la compagna di Man Ray. La posa della donna, con il turbante in testa e il corpo nudo sinuoso, è un esplicito richiamo ai dipinti del pittore neoclassico francese Jean-Auguste-Dominique Ingres, in particolare alla famosa Grande Bagnante. Il titolo non è casuale ma si basa su un modo di dire francese. Il pittore Ingres aveva una grandissima passione per il violino, che suonava nel tempo libero pur non essendo un professionista. Da allora, in Francia, l'espressione "avoir un violon d'Ingres" significa avere un hobby, una seconda passione coltivata con dedizione.

 

Dall’opera l’artista ricava un triplo gioco concettuale; l'arte come hobby (Man Ray un pittore che usava la fotografia, la fotografia stessa era per lui un "violon d'Ingres"); la donna come hobby suggerisce ironicamente che la modella Kiki sia il suo passatempo preferito; la donna come strumento, Man Ray trasforma fisicamente il corpo femminile in uno strumento musicale. Per realizzarla Man Ray fotografa Kiki in posa. Successivamente, in camera oscura, interviene direttamente sulla stampa fotografica disegnando con l'inchiostro di china le due feritoie a forma di "f" (i fori di risonanza dei violini) sui fianchi della modella, per poi rifotografare il risultato finale. Con questo gesto tipicamente surrealista, l'artista compie una metamorfosi: il corpo nudo ed erotico di Kiki perde la sua natura puramente umana per fondersi con la forma sinuosa di un violoncello o di un violino. L'opera diventa così una riflessione sulla manipolazione della realtà, sull'erotismo e sull'oggettivazione del corpo nell'arte.

 

 

Negli anni del Dadaismo newyorkese e parigino, Man Ray utilizza gli oggetti per scardinare la logica borghese e il concetto tradizionale di arte. Alcune opere chiave ci raccontano la sua poetica. Les Larmes (Le lacrime, 1930-1932), trionfo di estetica cinematografica e surrealismo emotivo. Man Ray fotografa il primissimo piano di un volto femminile (gli occhi sono della ballerina Lily Carter) rivolto verso l'alto, con ciglia bagnate di mascara pesante e finte lacrime di vetro rotonde appoggiate sulle guance. Dissociare l'emozione, in questo caso il pianto, dalla sua realtà biologica fu un colpo di genio. Le lacrime, essendo sfere di vetro per collane, non scorrono: sono congelate, geometriche, perfette. Ispirato dalla dolorosa rottura con la sua compagna e assistente Lee Miller, Man Ray ironizza sul dolore dell'abbandono, creando una tristezza artificiale che strizza l'occhio alla finzione del cinema muto e alla fotografia pubblicitaria, la foto fu infatti usata per promuovere un mascara impermeabile. In sintesi, si tratta di un’opera drammatica e ipnotica, che trasforma una sofferenza intima in un oggetto di puro design visivo.

 

L'Enigma di Isidore Ducasse (1920), una macchina da cucire avvolta in una coperta di lana e legata con uno spago. Qui l’oggetto nascosto e negato alla vista stimola l'immaginazione e il mistero e pare essere un chiaro omaggio alla celebre frase del poeta Lautréamont: "Bello come l'incontro casuale di una macchina da cucire e di un ombrello su un tavolo da anatomia".

Ma se Duchamp manteneva un approccio fortemente cerebrale, distaccato e quasi "anestetico" verso l'oggetto, Man Ray infonde nei suoi ready-made una carica poetica e psicologica che farà da ponte verso il Surrealismo. Gli oggetti di Man Ray infatti evocano desideri inconsci, feticismi ed enigmi visivi. Un esempio lo troviamo in “Oggetto da distruggere" (1923), un metronomo sul cui ago l'artista fissa la fotografia di un occhio umano. L'oggetto non è più solo un pezzo industriale sottratto al suo contesto, ma diventa una presenza ipnotica, quasi antropomorfa, che scruta lo spettatore ritmando il tempo.

 

Possiamo dire quindi che l'arte di Man Ray sfocia nel surrealismo anche attraverso la fotografia, trasformando immagini e oggetti quotidiani in strumento per esplorare l'inconscio, il sogno e il caso, andando oltre la semplice rappresentazione della realtà. L’utilizzo della macchina fotografica diventa un semplice mezzo di documentazione, ma la piega a visioni fantastiche attraverso tecniche innovative. Pur essendo una colonna portante delle mostre e delle pubblicazioni surrealiste, come la celebre scacchiera da lui ideata e realizzata insieme a André Breton, Max Ernst, Salvador Dalí, René Magritte, Pablo Picasso e Giorgio de Chirico, Man Ray non si è mai considerato un dogmatico del movimento e pone la sua firma anche nel design d’avanguardia, quasi senza rendersene conto.

 

Rifuggiva i vincoli politici e teorici, vivendo il surrealismo non come un rigido manifesto ma come la libertà assoluta di sperimentare, forzare la tecnica e rivelare l'invisibile. In definitiva, Man Ray non ha usato la camera e l’arte in generale, per catturare la realtà, ma per dimostrarci che il confine tra il visibile e il sogno è solo una questione di luce. Liberando la fotografia dall'obbligo di documentare, ha trasformato la camera oscura nel palcoscenico dell'inconscio, lasciando un'impronta indelebile nella storia dell'avanguardia.

Man Ray non è semplicemente un nome, ma il perfetto sinonimo artistico di gioia, gioco e assoluta libertà espressiva; non ha immortalato corpi o oggetti, ma l'essenza stessa delle sue visioni, è l'artista che ha insegnato alla luce a pensare e all'ombra a sognare.

Giovanna Anversa

 

 

Informazioni sulla mostra: 

Orari: Da martedì a venerdì dalle 10:00 alle 18:00; sabato, domenica e festivi dalle 10:00 alle 19:00 (lunedì chiuso).

Biglietti: L'ingresso intero costa 15 € (ridotto a 13 € per i gruppi e 5 € per scuole e under 14). Il biglietto è inclusivo e dà accesso alla mostra temporanea, alla collezione permanente della Fondazione (con capolavori da Tiziano a Morandi), al parco e alle stanze private degli "Armadi segreti" della Villa.

 Andrea Parodi, vent’anni dopo: la voce di un’isola, il respiro del mondo

 

Il 17 ottobre 2006 scompariva una delle voci più originali della musica italiana. Dai Tazenda agli incontri con il jazz e le musiche del mondo, il ricordo di un artista che seppe trasformare l’appartenenza in apertura.

Ci sono voci che riconosciamo prima ancora di ricordare una canzone, basta una nota, un’inflessione, quel modo particolare di modulare il canto. La voce di Andrea Parodi appartiene a questa rara famiglia, una voce luminosa e inquieta, capace di farsi sottile senza perdere intensità, profondamente legata alla Sardegna eppure comprensibile anche a chi della sua lingua non conosce una parola.

Il 17 ottobre 2026 ricorrono vent’anni dalla sua scomparsa, avvenuta nel 2006, a cinquantun anni. Un anniversario che invita a tornare alla sua musica, prima ancora che alla commozione, a riascoltare il cantante dei Tazenda, ma anche l’interprete che cercò nuove strade oltre il successo commerciale, costruendo incontri con artisti e sensibilità differenti.

 

Nato a Porto Torres il 18 luglio 1955, da padre ligure e madre sarda, Andrea Parodi trascorse l’infanzia e parte dell’adolescenza a Savona, prima di tornare in Sardegna. Studiò all’istituto nautico e insegnò navigazione e astronomia nautica, un tratto poco conosciuto della sua biografia che sembra suggerire un’immagine del percorso futuro, fatto di radici salde e orizzonti da attraversare. 
La Sardegna, dunque, non fu soltanto il luogo delle origini, fu anche una cultura ritrovata, riconosciuta attraverso le persone, le parole, il canto. In una recente intervista, la moglie Valentina Casalena ha ricordato il fascino esercitato su di lui dalla madre che cantava in sardo, nella casa di Savona, e dalla figura di Maria Carta, vista in televisione. Sono memorie che aiutano a comprendere quanto la scelta linguistica fosse legata a un’esperienza intima, prima che a un progetto artistico. 
Gli esordi passano dal gruppo Sole Nero, poi diventato Coro degli Angeli, e dalla collaborazione con Gianni Morandi. Nel 1988, insieme a Gino Marielli e Gigi Camedda, Parodi fonda i Tazenda, la formazione che avrebbe portato quella voce all’attenzione del grande pubblico. 

 

Per molti ascoltatori l’incontro con Andrea ha una data precisa: Sanremo 1991. Sul palco, accanto a Pierangelo Bertoli, i Tazenda presentarono “Spunta la luna dal monte”. L’intreccio fra italiano e lingua sarda, fra il timbro terreno di Bertoli e quello svettante di Parodi, rese immediatamente riconoscibile la canzone. L’anno successivo il gruppo tornò al Festival con “Pitzinnos in sa gherra”, brano che vide anche il contributo di Fabrizio De André. 
 

 

Riascoltare oggi quelle esecuzioni significa ritrovare qualcosa che andava oltre la novità di una lingua poco presente nella musica televisiva, che non suonava come una parentesi folcloristica ma occupava il centro della scena.
Valentina Casalena racconta che Parodi era convinto di poter essere più internazionale cantando in sardo che in inglese, una delle intuizioni che meglio illuminano il suo cammino, non cancellare la propria particolarità per raggiungere gli altri, ma darle una forma tanto autentica da renderla condivisibile.
La sua idea di “identità” si può leggere proprio nel senso che una voce riconoscibile non è una barriera. Nei Tazenda, l’incontro fra lingua sarda, strumenti elettrici e scrittura contemporanea trovò un pubblico disposto ad ascoltare anche senza comprendere appieno ogni parola.

 

Nella seconda metà degli anni Novanta Parodi lasciò il gruppo e intraprese un percorso solista. “Abacada”, le collaborazioni con Noa e l’incontro con il chitarrista Al Di Meola ampliarono il suo orizzonte musicale. Con quest’ultimo realizzò anche il disco dal vivo “Midsummer Night in Sardinia”, una testimonianza dell’incontro fra la sua vocalità e un linguaggio strumentale capace di attraversare jazz e suggestioni mediterranee.
 

 

Non fu una semplice sostituzione di repertorio la sua, in quella fase emerse con maggiore evidenza il suo modo di intendere il canto come relazione, con i musicisti, con lo spazio, con il pubblico. In un’intervista del 2006 spiegò di sentirsi soprattutto un cantante dal vivo, per il quale una canzone cambiava da una sera all’altra secondo lo stato d’animo. È una chiave preziosa per riascoltare le sue interpretazioni, che colpiscono non soltanto per la qualità del timbro, ma per il modo in cui una frase sembra nascere nel momento stesso in cui viene pronunciata, lasciando, anche per i pezzi conosciuti, una sensazione di scoperta.

 

Fra i brani più legati alla sua memoria c’è sicuramente “No potho reposare”, che non era una sua composizione, come qualcuno crede. Parodi raccolse una canzone già conosciuta e contribuì a farla amare da un pubblico nuovo e più vasto, lo ha ricordato anche la moglie, sottolineando il ruolo della sua interpretazione nella diffusione del brano oltre gli ascoltatori abituali della musica sarda. La sua forza stava nel sottrarre il canto alla distanza della celebrazione. Nella sua voce infatti quelle parole potevano tornare a essere una dichiarazione rivolta a qualcuno, qualcosa di vicino e necessario.
 

 

Lo stesso si può avvertire nella sua interpretazione di “Hotel Supramonte”, eseguita nel concerto-tributo a Fabrizio De André del 2005, all’Anfiteatro di Cagliari. Parodi entrava in una canzone altrui senza rinunciare alla propria fisionomia, rispettandone il mondo, ma lasciando un’impronta immediatamente riconoscibile. 

Nel 2005 ci fu il ritorno con i Tazenda, poi la malattia, e l’ultima stagione di concerti. Il 22 settembre 2006 Parodi si esibì all’Anfiteatro romano di Cagliari in quella che sarebbe stata la sua ultima apparizione pubblica, meno di un mese prima della morte.
Quelle immagini hanno assunto, nel tempo, un peso enorme. La fragilità del suo corpo, il rapporto con il pubblico, la volontà di essere ancora dentro la musica, tutte cose che rendono difficile separare l’ascolto dalla consapevolezza di ciò che sarebbe accaduto.
Eppure ricordarlo soltanto attraverso quell’ultimo palco significherebbe ridimensionarne la figura. Prima della malattia, e oltre il suo racconto, ci sono il lavoro, la curiosità, la ricerca di un suono, l’energia di un artista che amava stare fra le persone. La moglie lo descrive come un uomo loquace, spontaneo, uguale sul palco come nella vita quotidiana.

 

 

A quella stagione appartiene anche "Rosa Resolza", il lavoro con Elena Ledda pubblicato postumo nel 2007. A chiuderlo è "Gracias a la vida" di Violeta Parra, nella registrazione tratta dall’ultimo concerto, un brano che oggi ascoltiamo inevitabilmente come un congedo, ma che conserva anzitutto il valore di un gesto musicale condiviso.

 

Il modo più coerente di custodire la memoria di un artista non è solo quello di riascoltarne le canzoni, può essere anche quello di creare occasioni perché altre musiche vengano ascoltate.
Da questa idea è nato il Premio Andrea Parodi, la cui prima edizione si tenne nel 2008. Valentina Casalena ne ha spiegato l’intenzione con parole semplici: ricordarlo non soltanto in forma celebrativa, ma «dando voce ad altre voci». Nel 2026 la diciannovesima edizione, diretta artisticamente da Elena Ledda, si conclude al Teatro Massimo di Cagliari proprio il 17 ottobre, nel ventesimo anniversario della scomparsa.
È un’eredità che guarda avanti, che mette al centro l’incontro fra culture, la pluralità delle lingue, la possibilità di cercare un pubblico senza rinunciare alla propria storia.

 

Vent’anni dopo, Andrea Parodi merita di essere ascoltato con questa stessa disponibilità, non soltanto come una voce perduta, né esclusivamente come il simbolo musicale di un’isola, ma come un interprete capace di rendere vicine parole che non tutti comprendevano. Si può tornare a “Spunta la luna dal monte”, fermarsi su “No potho reposare”, seguire i dialoghi con Al Di Meola o le voci intrecciate di “Rosa Resolza”. In ciascuno di questi ascolti c’è ancora la possibilità di incontrarlo, non nel silenzio afono di una ricorrenza, ma nel tempo vivo di una canzone.

Stefano Superchi

 

A l'è 'n bevr'in ven. Teatro, tradizioni e solidarietà: la commedia dialettale che fa bene al territorio.

A l'è 'n bevr'in ven

Teatro, tradizioni e solidarietà: la commedia dialettale che fa bene al territorio

 

Un appuntamento speciale all’insegna della cultura popolare, delle risate e della solidarietà attende il pubblico per la serata di sabato 24 ottobre 2026 presso il Teatro Comunale di Rivarolo del Re.

Sul palco andrà in scena la piacevole commedia brillante in tre atti in dialetto mantovano dal titolo "A L'E' 'N BEVR'IN VEN", scritta dall'autore Franco Zaffanella e portata in scena dall'affiatato gruppo de La Cumpagnìa dal fìl fèr.

 

 

Uno scontro generazionale tra tradizione e modernità.
Ambientata negli anni '80 all'interno della casa della famiglia Ravini, la vicenda racconta con brio ed ironia la contrapposizione tra il mondo contadino e la modernità. Da una parte c'è il "capofamiglia", il signor Domenico (interpretato da Fabrizio Maltraversi), vedovo e appassionato cultore del dialetto e delle tradizioni della propria terra. Dall'altra la figlia Silvia (Mariella Gorla), sofisticata creatrice di moda che si ostina a parlare esclusivamente in italiano. Determinata a eliminare ogni traccia di vernacolo dalla casa e dai familiari, Silvia arriverà persino a ricorrere all'aiuto di un imprevedibile ed eccentrico "mago".

 

A fare da contorno a questo divertente scontro generazionale troviamo una serie di esilaranti personaggi, la zia Bice (Vilma Portioli), il vicino di casa Primo Testoni (Paolo Ferrari), il canterino Toni Poletti (Ernesto Cipolla), lo stravagante "Mago man in bisàca" Marino Poletti (Adelio Raboni) e la professoressa Sofia Marocchi (Raffaella Pasetti). Non mancheranno inoltre momenti musicali e richiami alla tradizione folk, con l'inserimento dell'intramontabile brano popolare "L'uva fogarina".

 

A completare il cast tecnico della Cumpagnìa dal fìl fèr la suggeritrice Annuccia Gardani, gli addetti agli impianti voci, luci, musiche ed effetti sonori Giuseppe Magni e Gabriele Ferrari e Manuela Donini a trucco e parrucco.

Una serata per sostenere l'Ospedale Oglio Po.
Oltre al valore culturale e di intrattenimento, la serata assume un significato profondo per tutta la comunità locale, l'intero ricavato dello spettacolo sarà infatti devoluto all'associazione "Amici dell'ospedale Oglio Po", una realtà costantemente impegnata nel supporto e nel potenziamento delle strutture e dei servizi dell'ospedale Oglio Po.
Partecipare significa quindi regalarsi due ore di leggerezza e spensieratezza riscoprendo le radici e la parlata del nostro territorio, contribuendo al tempo stesso a una causa fondamentale per la salute ed il benessere di tutti.

 

Appuntamento quindi Sabato 24 ottobre 2026 alle 21:00 al Teatro comunale di Rivarolo del Re per lo spettacolo "A L'E' 'N BEVR'IN VEN", commedia dialettale in 3 atti di Franco Zaffanella interpretata dalla Cumpagnìa dal fìl fèr. L'ingresso sarà ad offerta libera,

Per l'Ospedale Oglio Po, quindi anche per te.

a cura di Stefano Superchi