Tra passato e materia: Giorgio Tentolini espone a Cremona e alla Reggia di Colorno

 

Un maggio ricco di appuntamenti per l'arte contemporanea porta in primo piano il nome di Giorgio Tentolini, artista casalasco di fama internazionale che in queste settimane è protagonista di due importanti esposizioni nel cuore della Pianura Padana: prima al Museo Archeologico San Lorenzo di Cremona, poi alla splendida Reggia di Colorno.

 

Antico Presente a Cremona
Mesh portrait 

Dal 22 al 31 maggio 2026, le sale del Museo Archeologico San Lorenzo di Cremona ospitano Antico Presente, un'installazione site-specific concepita da Tentolini per dialogare con l'antico contesto museale. L'inaugurazione si è tenuta giovedì 21 maggio alle ore 18:00, aprendo il dialogo tra le opere dell'artista e i reperti storici della collezione permanente. Il progetto porta l'arte contemporanea a confrontarsi con la storia millenaria custodita tra le mura di via San Lorenzo, 4, in un gioco di sovrapposizioni tra memoria e presente che è il marchio distintivo della ricerca di Tentolini.

 

Parnaso alla Reggia di Colorno

A partire dal 30 maggio e fino al 5 luglio 2026, il percorso espositivo si sposta alla Reggia di Colorno, la magnifica residenza ducale in provincia di Parma spesso definita la "Versailles italiana". Qui Tentolini presenta Parnaso, mostra personale che già dal titolo, evocativo del monte sacro alle Muse, propone una riflessione sulla conoscenza, la bellezza e le radici della civiltà. La conferenza stampa di presentazione si è tenuta il 15 maggio al Museo Mupac di Colorno, anticipando l'attesa dell'apertura.

 

Un artista figlio del Po

Giorgio Tentolini nasce il 3 luglio 1978 a Casalmaggiore, in provincia di Cremona, e ancora oggi vive e lavora tra le campagne di Vicobellignano, in una casa colonica con torre-colombaia affacciata sugli argini del Po. Questo radicamento nel paesaggio padano non è un dettaglio biografico secondario: il fiume, la luce diffusa della pianura, la stratificazione silenziosa del tempo in quei luoghi hanno alimentato fin dall'inizio una poetica tutta centrata su memoria, identità e trasparenza. Dopo un tentativo di aprire studio a Milano, l'artista ha scelto di tornare al suo territorio, da cui oggi raggiunge le sedi espositive più prestigiose d'Europa e del mondo.

 

La tecnica: luce attraverso la materia. Face in metallic net 

La cifra stilistica di Tentolini è immediatamente riconoscibile: le sue opere nascono dalla sovrapposizione di strati di rete metallica, tulle, carte e PVC, su cui vengono incise o depositate immagini fotografiche, volti di donne, silhouette di sculture antiche, architetture. Il risultato è un'opera che oscilla tra pittura e scultura, capace di mutare al variare della luce e del punto di osservazione dello spettatore. La levità meditativa di questi materiali crea metafore visive di luoghi, ricordi, sogni e visioni, in un lavoro che fin dagli anni 2000 ha ottenuto riconoscimenti nazionali e internazionali.

Un percorso di riconoscimenti

La carriera di Tentolini è costellata di presenze in sedi di primissimo rango: il Palazzo Reale di Milano, il Teatro Regio di Parma, il MAR di Ravenna, il Museo Etrusco di Roma, l'Istituto Italiano di Cultura ad Atene, fino all'Assemblea legislativa dell'Emilia-Romagna e al Consiglio della Regione Lombardia nel grattacielo Pirelli. Ha esposto anche a Parigi, Amsterdam, Berlino, Londra, Ginevra, negli Stati Uniti e a Taiwan. Tra i premi ricevuti figurano il Rigamonti, il Nocivelli, il Paratissima e l'Arteam Cup. Il riconoscimento più alto è arrivato nel 2024, con la partecipazione alla 60ª Biennale di Venezia nel padiglione del Camerun, ospitato nelle prestigiose sale di Palazzo Donà Dalle Rose.

Il legame con la sua città d'origine è rimasto invece solido e costante: il Museo Diotti di Casalmaggiore lo ha ospitato fin dal 2007 con la personale Animula vagula blandula, e nel corso degli anni Tentolini ha donato alla collezione civica alcune delle sue opere.
Un artista che guarda al mondo intero senza mai dimenticare da dove viene.

a cura di Stefano Superchi

 Racconti Materici: Brunivo Buttarelli alla Rocca Sanvitale di Sala Baganza

Da oggi, 23 maggio 2026, la Rocca Sanvitale di Sala Baganza (PR) apre le porte a "Racconti Materici", la grande mostra antologica dedicata allo scultore Brunivo Buttarelli, visitabile fino al 29 novembre 2026. Un'esposizione che non è solo una rassegna d'arte, ma una vera e propria celebrazione: quella degli ottant'anni di uno dei maestri più originali della scultura contemporanea italiana.

Un viaggio tra materia, memoria e rinascita

La mostra si dispiega negli spazi storici della Rocca, intrecciando ambienti interni ed esterni in un percorso che trasforma materiali di scarto in forme vive, pulsanti di significato. Le opere di Buttarelli occupano il Giardino farnesiano e i cicli scultorei si sviluppano lungo i "Terzi" della Rocca, in un dialogo serrato tra antico e contemporaneo. La scultura diventa così narrazione: ogni pezzo racconta una storia di nascita, consumo e rinascita dei materiali, in un immaginario che affonda le radici tanto nell'archeologia quanto nel teatro.

Un figlio del Po: le origini di Casalmaggiore

Brunivo Buttarelli nasce il 29 novembre 1946 a Casalmaggiore (Cremona), nella pianura padana lambita dal grande fiume, città in cui ha sempre vissuto e lavorato. È proprio quella terra, fatta di argilla, legni fluviali, storie contadine e artigiane, a plasmare il suo sguardo sul mondo. Il primo imprinting con la materia arriva dalla bottega del padre falegname, dove impara a sentire il legno, a rispettarne le vene e i nodi, a trasformarlo con le mani prima ancora che con la mente.
Casalmaggiore rimane il suo ancoraggio identitario e geografico per tutta la carriera: nel 2022, il Museo Diotti della città lo ha ospitato con la mostra "Lucente Luna d'Acciaio per senni e oggetti perduti", ulteriore prova del legame tra l'artista e la sua terra d'origine.

Una carriera tra restauro, teatro e scultura

Dopo il diploma nel 1968 all'Istituto d'Arte "P. Toschi" di Parma, Buttarelli intraprende un percorso formativo straordinariamente composito. Dal 1971 al 1990 insegna Tecniche Pittoriche Murali nello stesso istituto, mentre parallelamente lavora come restauratore di affreschi, pitture murali e opere lignee in tutta l'Italia settentrionale. In quegli anni fonda anche il C.C.S.P. (Centro Casalasco di Studi Paletnologici) e collabora con il Museo Tridentino di Scienze Naturali, affinando uno sguardo scientifico e stratigrafico sulla materia.

 

Dal 1986 al 1991 è pittore e scultore scenografo al Teatro Regio di Parma, esperienza cruciale che gli insegna a ragionare sullo spazio come dimensione plastica e narrativa. Nel 1990 abbandona definitivamente la cattedra per dedicarsi esclusivamente alla ricerca scultorea, portando con sé tutto il bagaglio di una vita trascorsa a interrogare i materiali: il legno, la pietra, il ferro, la carta, la resina.

L'immaginario di un maestro

Il lavoro di Buttarelli è sorretto da un immaginario paleontologico e arcaico, le sue sculture sembrano creature emerse dal fondo del tempo, come fossili riattivati dalla fantasia. Materiali di recupero e di scarto vengono rigenerati in forme che evocano corpi, memorie, paesaggi interiori, un processo alchemico in cui il passato non muore, ma si trasforma.

 

 

"Racconti Materici" alla Rocca Sanvitale è dunque molto più di una retrospettiva: è il bilancio di una vita donata all'arte e alla materia, celebrata in uno dei castelli più affascinanti del Ducato di Parma, a pochi chilometri da quella terra padana che ha generato tutto.

Gli orari di visita sono da giovedì a domenica, dalle 10:00 alle 13:00 e dalle 15:00 alle 18:00.

per maggiori informazioni vedere qui 

a cura di Stefano Superchi

 La Centralissima torna al Caffè Centrale: due serate per rompere il silenzio.

 

 C'è una rassegna a Casalmaggiore che dal 2016 ha scelto di chiamare le cose con il loro nome, senza troppi giri di parole: "musica bella". Due parole, un programma preciso. È La Centralissima, la piccola grande creatura nata dall'incontro tra Be Molle APS e Caffè Centrale, che quest'anno torna in una forma ridotta ma tutt'altro che dimessa: due giovedì sera, il 21 e il 28 maggio, per due concerti che promettono di lasciare il segno.

Be Molle è un'associazione che cresce, in numero di soci, in idee, in ambizione progettuale, ma che non si dimentica da dove viene. Al centro del progetto c'è un percorso culturale che ha fatto della socialità autentica, della convivialità aperta e della ricerca artistica le sue fondamenta. Non intrattenimento facile, dunque, ma nemmeno elitario, musica indipendente italiana che dialoga con il territorio, contaminazione tra pratiche artistiche e comunità. Un progetto intriso della nostra Bassa, anche quando guarda altrove.

Come ci dice Michele Veneziano di Be Molle: "Quest'anno l'esigenza era di sviluppare due progetti caratterizzati da una forte energia performativa, musica per orecchie abituate a volumi importanti. La scelta è stata semplicissima. Per il primo concerto volevamo partire proprio dalla Bassa e abbiamo deciso che nessuno meglio dei "f.lli giordano" potesse incarnarne l'energia malinconica. I f.lli sono una band quattro elementi, suonano musica post rock, dove ripetizioni e una certa attitudine matematica sono strumentali a narrazioni emotive, a volte intervallate da una tromba squillante che a mo' di voce grida poche parole semplici che sembrano poesie sospese."

 
 

21 maggio / f.lli giordano

Per il primo appuntamento la scelta cade su una band che della Bassa porta addosso l'energia e la malinconia come un paesaggio sonoro vissuto sulla pelle. I f.lli giordano — Giulio, Andrea, Michele e Cristian — sono una chitarra, due bassi, una batteria che si spegne per qualche parola e cantati di tromba. Il loro è un post-rock fatto di ripetizioni, di architetture ritmiche precise, di distorsioni impietose alternate a dialoghi morbidi a quattro. Il loro primo album omonimo, registrato dal vivo nella loro sala prove, nei campi, è già tutto ciò che sono: suono e presenza, musica e luogo.

Continua Veneziano: "Al flusso musicale del primo live si aggiungerà nella seconda data anche un nuovo flusso di parole. Il secondo nome è quello di Lepre (moniker di Lorenzo Lemme). Un animale strano questa Lepre, cantautore e batterista, che usa le parole come strumenti di rivendicazioni di amore e politica. Lepre, che per l'occasione sarà in duo, suona e canta perché pare non poter fare altro per stare al mondo. Da tempo sognavamo di organizzare un suo concerto e finalmente ce l'abbiamo fatta. Sappiamo già che il pubblico ne uscirà innamorato." 

 
 

28 maggio / Lepre

La seconda serata porta in scena Lepre, nome d'arte di Lorenzo Lemme, cantautore e batterista romano reduce da anni di tour instancabili. Pubblica il suo primo album (Malato) nel 2022 e inizia aprendo i concerti a nomi come Motta e Giancane. Canta e suona la batteria in trio con Giorgio Maria Condemi e Michele Mariola ed esce con il secondo album (Eremo) nel 2024.  Nel 2025-2026 realizza con Francesco Chimenti, e pubblica, Parole Piano, un ep di 5 brani gia editi riadattati alla forma essenziale piano e voce. Dall'estate 2026 escono i nuovi singoli del terzo LP che uscirà in autunno.

Nel frattempo colleziona diversi titoli di studio, nel 2005 consegue la laurea magistrale in Lettere e Filosofia, nel 2008 la laurea specialistica in Storia Contemporanea e nel 2013 completa il Master in Storia ed Economia del ‘900.

Nell’ambito teatrale scrive le musiche di due spettacoli (Fake Folk e  Rimbambimenti) di Andrea Cosentino, drammaturgo e attore teatrale contemporaneo (Premio Ubu 2018).
Lepre si presenta in duo con una carica emotiva difficile da contenere. In autunno uscirà il suo terzo LP: questo concerto è un'anteprima preziosa. 

 

 

«Veniamo in pace e non miriamo a rompere niente, fuorché il silenzio»: è questa l'esortazione degli organizzatori, e c'è tutto il programma in una frase. La Centralissima 2026 non cerca lo spettacolo fine a sé stesso, ma quell'energia che trasforma l'aria di una sala e lascia qualcosa di diverso nelle persone che l'hanno attraversata. Un'esplosione gentile.

L'appuntamento è al Caffè Centrale di Casalmaggiore, il giovedì sera, come vuole la tradizione. Due date, due band, un invito aperto a tutta la cittadinanza.

W La Centralissima.


a cura di Stefano Superchi

 Il divano, l'ambito approdo della casa

 

 Il divano, uno degli elementi di arredamento più apprezzati e utilizzati per rilassarci, per guardare la tv, per accogliere gli ospiti e persino per dormire ha, come tutto, una sua storia.
Il divano nasce ovviamente dall'evoluzione di sedute antiche che hanno origine nel mondo arabo-turco-persiano. L’etimologia della parola “divano” deriva dal turco “divan” e dall’arabo “diwan” e stava ad indicare, nell’Impero Ottomano, i registri amministrativi e l’ufficio della dogana fino ad arrivare al Consiglio di Stato e, più precisamente, alla sala del consiglio dove veniva amministrato il potere ai tempi di Constantinopoli.

 

 

E proprio in quelle stanze, lungo i muri, c’erano lunghi sedili imbottiti, che erano gli unici elementi d’arredo del diwan. Nell’evoluzione linguista oltre a divano e ottomana troviamo anche la parola sofà che essenzialmente sono lo stesso oggetto, cambia solo il termine. Divano si usa in alcune lingue, tra cui l’italiano, mentre nelle lingue anglosassoni, come l’inglese e il tedesco, si è affermato il termine “sofà “che deriva originariamente dal turco e significa cuscino. Si può quindi dedurre che il divano abbia avuto origine dalle sedute ricoperte di cuscini della tradizione araba.

 

Le tappe fondamentali della sua evoluzione sono:

•    Antichità (Egitto, Grecia, Roma): I precursori erano panche di legno coperte di pelli o cuscini per i nobili egizi, mentre i greci e i romani utilizzavano il triclinio o lectus per mangiare sdraiati. 

•    Medio Oriente: lunghe sedute imbottite presenti nei gabinetti istituzionali da cui deriva il termine divano e anche ottomana.

•    XVII-XVIII Secolo (Francia): Il concetto moderno nasce in Francia nel 1600. Nel 1700, sotto Luigi XV, si diffonde la Marquise, una poltrona larga per due persone, evolvendosi poi in forme più lineari durante l'epoca neoclassica di Luigi XVI.

•    XIX Secolo (Inghilterra e Stile Biedermeier): Nasce il famoso divano Chesterfield, caratterizzato da imbottitura in pelle, trapuntatura a capitonné e braccioli all'altezza dello schienale. Contemporaneamente, in area austro-ungarica, domina lo stile Biedermeier, sobrio e comodo.

•    XX Secolo (Industrializzazione e Design): Il divano diventa un elemento d'arredo comune grazie alla produzione di serie. Designer come Le Corbusier negli anni '20 rivoluzionano il design con strutture in acciaio e cuscini imbottiti, introducendo forme geometriche e funzionali. 

 

 

Come detto sopra i primi divani erano delle sedute imbottite rese ancora più comode con l’aggiunta di tanti cuscini. Nell’antico mondo arabo erano usate anche come troni, ma gli antichi Romani hanno cambiato la destinazione d’uso creando il triclinium che arredava le case degli aristocratici.
Il divano vero e proprio, come lo intendiamo oggi, risale al XVII secolo quando entra a far parte dell’arredamento delle dimore signorili con le sembianze di una poltrona. L’idea di sedersi in compagnia è opera dei Francesi che, per descrivere il nuovo arredo, cominciano a inventare sedute bizzarre come i divanetti a due posti, con sedute incrociate, detti Indiscret utilizzati per conversazioni intime. È da qui, dal nuovo significato che la parola divano assume in Europa nel XVIII secolo, e dal suo utilizzo, che può partire idealmente il nostro breve viaggio intorno alla storia del divano.

 

Il divano del Settecento, dal barocco a neoclassico.

Uno dei primi esemplari di divano in Occidente è la Marquise, molto in voga presso la corte di Luigi XV. In realtà si tratta di una poltroncina, con la seduta piuttosto bassa, ma abbastanza ampia per dare posto a due persone e per questo veniva chiamata anche tete-à-tete. Ma il primo vero periodo di grande diffusione del divano in Europa risale all’epoca neoclassica sotto il regno di Luigi XVI quando fanno la prima comparsa splendidi modelli di divani, divanetti o banquettes dalle forme rettilinee, con decorazioni classiche. Ancora oggi lo stile Luigi XVI uno degli stili francesi più caratteristici, ed uno dei più riprodotti dagli arredatori e decoratori, specialmente negli alberghi di lusso; il suo design composto ed intimo crea un ambiente dai toni signorili ed eleganti. Vere e proprie icone di lusso e maestria artigianale sono i divani creati dall’ebanista francese Louis Delanois per il conte d’Orsay, modelli destinati a incontrare grande fortuna nei decenni a seguire.

Il divano Chesterfield di età vittoriana.

Durante il XIX secolo, mentre in Francia si susseguono gli stili Impero, Carlo X e Luigi Filippo, filiazioni dirette dello stile Luigi XVI, nel Regno Unito si impone il modello Chesterfield. Un modello che ha fatto la storia del divano inglese, e non solo, particolarmente ampio e comodo è uno dei primi ad essere completamente imbottito e rivestito in pelle trapuntata ed è caratterizzato dalla tipica abbottonatura e dai braccioli alla stessa altezza dello schienale. I primi esemplari furono commissionati già agli inizi del Settecento da Philip Stanhope IV Conte di Chesterfield, ma è con l’età vittoriana che ottiene lo strepitoso successo che dura fino ai giorni nostri.

Lo stile Biedermeier di Vienna.

Molto diverso è lo stile dei divani in area austro-ungarica, soprattutto a partire dal periodo successivo al congresso di Vienna del 1815. Nella grande capitale mitteleuropea vige lo stile Biedermeier caratterizzato da elegante semplicità, del tutto privo di elementi appariscenti o di ostentazione, ma di una tale raffinata bellezza che non possono non avere un posto d’onore in una storia del divano che si rispetti. Pur mantenendo le forme e i colori tipici della mobilia diffusa in epoca Impero, a Vienna si preferì cancellare ogni presenza di forniture bronzee o di elementi a intaglio o a intarsio legati all’iconografia neoclassica. In sostanza, con questo stile vedono la luce arredi robusti, comodi, funzionali, sobriamente eleganti e poco costosi, è dotato di schienale arcuato e per certi versi prelude a forme che più avanti troveremo nell’ Art Nouveau.

 

 

Il ‘900 e il divano moderno.
Il XX secolo contrassegna definitivamente lo sviluppo del divano di carattere industriale, con la fabbricazione in serie. Si rinuncia a decorazioni inutili e si impiegano materiali nuovi. La novità importante è che il divano non è più costituito da blocchi inscindibili, ma da elementi raggruppabili e intercambiabili e comincia ad entrare in tutte le case come parte integrante dell’arredo di casa.
 

A.‎B.‎C.‎ di Antonio Citterio

 

Coloro che vengono considerati designer importanti del divano moderno sono l’inglese Jay Wellington Couch , 1895 e negli anni ’60 l’italiano Antonio Citterio  il quale inventò una seduta più lunga su cui poter anche dormire e riposarsi.
I designer negli ultimi decenni si sono sbizzarriti in forme, materiali e prestazioni e oggi in commercio troviamo una varietà di divani dai diversi stili, in diverse dimensioni e pure personalizzabili secondo i propri gusti: divani componibili, modulari, con penisole relax, divani letto, chaises-longue e dormeuse con massaggiatore incorporato, che accolgono e avvolgono i nostri corpi quando hanno bisogno di scaricare stanchezza e tensioni.
Che dire, un complemento d’arredo ormai indispensabile, il rifugio più gettonato della casa, un angolo di pace per mente e corpo.

Giovanna Anversa

 

Luigi Ghirri a Reggio Emilia: quando la fotografia insegna ad ascoltare

Dal 30 aprile 2026 al 28 febbraio 2027 il Palazzo dei Musei di Reggio Emilia ospita la mostra Luigi Ghirri. A Series of Dreams. Paesaggi visivi e paesaggi sonori. L’esposizione, curata da Ilaria Campioli e Andrea Tinterri, con la curatela musicale di Giulia Cavaliere, viene inaugurata nell’ambito della XXI edizione di Fotografia Europea. Il progetto include inoltre una sezione speciale intitolata Oltre quei monti il mare, realizzata con la collaborazione del musicista Iosonouncane, e un focus espositivo al Teatro Valli, visitabile fino al 14 giugno.

C'è qualcosa di profondamente coerente nel fatto che una mostra dedicata a Luigi Ghirri si intitoli A Series of Dreams. Ghirri stesso era un uomo che fotografava come se sognasse, con quella lentezza contemplativa, quella capacità di trovare il silenzio dentro un paesaggio ordinario, una stazione di servizio sulla via Emilia, una carta geografica appesa a un muro, l'orizzonte piatto della Pianura Padana.

La mostra, allestita a Reggio Emilia, porta un sottotitolo che apre una finestra nuova sul suo lavoro: Paesaggi visivi e paesaggi sonori. Il progetto non si limita a esporre le fotografie, ma le mette in dialogo con la dimensione musicale, esplorando le affinità elettive tra l'occhio di Ghirri e certi universi sonori del Novecento. Non è una scelta casuale, Ghirri era appassionato di musica e nelle sue immagini si sente sempre una cadenza, un ritmo, un suono sospeso.

La mostra A Series of Dreams. Paesaggi visivi e paesaggi sonori affronta la relazione tra fotografia e musica attraverso un percorso articolato in tre sezioni. Nel corridoio centrale sono riunite immagini dedicate ai luoghi della musica: disegni parietali con trombe e percussioni, interni di teatri, chiese con organi monumentali, jukebox e pianoforti. Insieme queste fotografie compongono un ritratto stratificato che mette in dialogo cultura popolare e cultura alta, mostrando la musica come traccia storica o presenza fugace nello spazio.

Un secondo nucleo presenta numerosi materiali, in parte inediti, che documentano il rapporto di Ghirri con diversi musicisti italiani, tra cui Lucio Dalla, Gianni Morandi, Ron, Luca Carboni e i CCCP. Questa sezione offre anche l’occasione per valorizzare il contributo di Paola Borgonzoni, designer e compagna di vita e di lavoro di Ghirri, il cui ruolo è stato determinante sia nei progetti editoriali sia nella progettazione di numerose copertine discografiche.

Paola Borgonzoni con Luigi Ghirri

La terza parte della mostra, intitolata Oltre quei monti il mare, è pensata come uno spazio di ricerca e sperimentazione sul soundscape, ovvero il paesaggio sonoro, e sul rapporto tra ambiente visivo e ambiente acustico. L’intervento artistico di Iosonouncane, realizzato appositamente per l’esposizione, mette in dialogo l’“ecologia dello sguardo” di Ghirri con l’ecologia acustica teorizzata dal compositore e studioso R. Murray Schafer. Entrambi, sebbene operanti in ambiti diversi, riflettevano negli stessi anni sulla crescente difficoltà di vedere e ascoltare in un mondo sempre più saturo di stimoli. In questo senso paesaggio visivo e paesaggio sonoro diventano due modalità complementari per orientarsi e costruire una relazione consapevole con l’ambiente naturale.

La grande intuizione di questa mostra è trattare il paesaggio non solo come visione ma come esperienza sensoriale totale. Le fotografie di Ghirri, le campagne emiliane nebbiose, i cieli vasti e quasi metafisici, gli interni domestici sospesi nel tempo, vengono accostate a composizioni di Brian Eno, Erik Satie, e ad artisti della musica ambient e minimalista. Il risultato è sorprendente.

 

Chi conosce il territorio della Pianura Padana troverà in questa mostra qualcosa di familiare e straniante allo stesso tempo. Guardare un campo fotografato da Ghirri vicino a Modena o Reggio non è così diverso dall'osservare le campagne tra Cremona e Mantova, con la luce invernale che appiattisce tutto, quella geometria discreta dei filari, quel cielo bianco che pesa sull'orizzonte. Ghirri ha restituito dignità poetica a un paesaggio che spesso si tende a ignorare proprio perché troppo vicino, troppo quotidiano.

 

La mostra include anche materiali d'archivio, note, lettere, appunti, che rivelano il metodo di Ghirri: un fotografo che pensava molto prima di scattare, e che considerava la fotografia una forma di scrittura visiva. In questo senso, A Series of Dreams è anche una riflessione sul processo creativo, sul modo in cui un artista costruisce un linguaggio personale partendo da ciò che ha davanti ogni giorno.
Per chi si occupa di narrazione del territorio e di memoria dei luoghi, questa mostra offre una lezione preziosa: il paesaggio non è sfondo, è protagonista. E Ghirri lo sapeva meglio di chiunque altro.

 

Informazioni più dettagliate sulla mostra sul link dei Musei Civici di Reggio Emilia

Stefano Superchi

 

 L’arte immortale di Gino Paoli

C'è chi nasce col dono dell'eternità!
 
Cosa è stato, e cos’è tutt’ora, Gino Paoli per noi italiani? Di certo può essere considerato un innovatore rispetto alla musica che lo ha preceduto e la sua carriera, lunga oltre 60 anni, lo dimostra lasciando un segno indelebile nel panorama musicale del paese.
 
Paoli è stato uno dei protagonisti della "scuola genovese", un movimento che ha rivoluzionato la musica italiana negli anni '60, di cui fecero parte nomi altisonanti quali Luigi Tenco, Fabrizio De André e Bruno Lauzi, Umberto Bindi. Le canzoni di questi musicisti adottano un linguaggio nuovo, più vero e più poetico che spesso si ispira alla letteratura, soprattutto francese e italiana.

 

 

I testi, oltre all’amore che rimane un ever green, affrontano anche temi come l’emarginazione, l’ingiustizia sociale, la guerra, la discriminazione e le canzoni divengono vere e proprie icone della musica italiana, aprendo la strada a tutto il cantautorato che verrà dopo.
La fusione tra musica e poesia, i testi profondi e le melodie innovative sortiscono opere di grande intensità che sanno sublimare, a mo’ di Dolce Stil Novo del ‘900, l’amore; esempi, per quanto riguarda Paoli, ne sono "Il cielo in una stanza" del 1960 e “Una lunga storia d‘amore” del 1984, due delle più grandi hit della musica italiana.

 

 

La lista è lunga e non si consuma con i due brani sopra, degli anni ’60 sono anche "La gatta", "Senza fine", “Che cosa c’è” e "Sapore di sale", che addirittura diventa simbolo dell'estate italiana, quando quelle canzoni si cantavano in spiaggia, un pò di amici e una chitarra.

Gino Paoli raggiunge la sua maturità artistica nei decenni che vanno dai ’70 ai ’90, continuando a scrivere canzoni che hanno confermato la sua statura di grande artista. "Una lunga storia d'amore" diventa popolarissima anche tra i giovani così come "Quattro amici", "Ti lascio una canzone" e "La bella e la bestia".

 

 

Note e foriere di grandi successi e concerti spettacolari, sono le collaborazioni con altri artisti, come Ornella Vanoni, Mina, De André, Tenco, Lauzi, Zucchero, Pravo, Bocelli, i sodalizi jazzistici con il pianista Danilo Rea e infine le canzoni per il cinema, in particolare di Vanzina, lasciando un'eredità musicale immensa, con pezzi che hanno attraversato quattro generazioni almeno mentre la sua scrittura, essenziale e fortemente evocativa, ha segnato un passaggio decisivo verso un linguaggio più intimo ma moderno.

 

 

Paoli chiude il cancello della vecchia “Scuola Genovese”, così come la ricordano quelli della Boomer Gen, lasciando un senso di malinconica nostalgia anche se le opere di tutti gli artisti della Genova dei carruggi, del porto, dei Rolli, del suo dialetto e del mare, continuano a essere cantate e amate da milioni di persone. Oggi la città è ancora luogo di incontro per artisti e musicisti e la sua Scuola, grazie a nuovi talenti, continua ad essere celebrata attraverso festival ed eventi musicali per ricordare chi come Gino Paoli ha trasformato vita e quotidianità in poesia.

 
Giovanna Anversa

Matrilineare. Il sapore del ritorno.

 Matrilineare.

Il sapore del ritorno.

 

 

Il treno delle 7:42 da Milano Centrale scivolava lento attraverso la pianura padana, e Marta guardava il paesaggio cambiare fuori dal finestrino. I grattacieli cedevano il posto ai capannoni, poi ai campi, poi al nulla piatto e verde della bassa cremonese. Ogni anno lo stesso viaggio. Ogni anno la stessa stretta allo stomaco.
A Milano aveva tutto, un lavoro in uno studio grafico, un appartamento nel quartiere Isola con le piante sul balcone, gli amici del giovedì sera. Ma a Pasqua, Milano diventava una città fantasma. I colleghi sparivano verso le famiglie sparse per l'Italia, i bar del quartiere abbassavano le serrande, e lei restava con quella sensazione strana che conosceva bene. La solitudine delle feste, quella particolare, diversa da tutte le altre. Non la solitudine di un martedì qualunque, che si risolve con una serie tv. Quella delle feste ha un peso specifico diverso, come una coperta bagnata sulle spalle.
Aveva perso la mamma a quarantadue anni, il papà tre anni dopo. Erano andati via in fretta, entrambi, come si va via quando si è persone discrete. E adesso c'era solo la nonna Ines, ottantaquattro anni, il gatto Nerone e il giardino con il melo.

Il treno si fermò a Casalmaggiore alle 9:20.
La nonna l'aspettava sul portone con il grembiule ancora addosso, come se non si fosse mai mossa da lì, come se Marta fosse uscita solo ieri mattina per andare a scuola. L'abbracciò senza dire niente, la nonna Ines era donna di poche parole, e il profumo di pasta fresca e ripieno le avvolse insieme.
«Stai facendo i marubini?» chiese Marta.
«Cosa vuoi che faccia a Pasqua,» disse la nonna, rientrando in cucina.
I marubini in brodo erano il centro gravitazionale dei pranzi delle feste, a Casalmaggiore. Non quelli comprati al supermercato, nemmeno quelli delle gastronomie, buoni per carità, ma la pasta tirata a mano, l’alchimia degli ingredienti del ripieno, il brodo fatto in casa di carne scelta con cura, le carote, il sedano, la cipolla e tutti quei piccoli segreti che ogni famiglia custodiva, erano già il pranzo stesso. La ricetta era di sua madre, che l'aveva imparata dalla sua, in un passaggio di mani femminili lungo un secolo almeno. Marta non aveva mai imparato a farli. Ci aveva provato una volta a Milano, aveva sbagliato le proporzioni, aveva buttato tutto.
 

Sedette al tavolo della cucina e guardò la nonna lavorare. Le mani di Ines si muovevano con quella sicurezza tranquilla delle cose fatte migliaia di volte — il mattarello che andava e veniva, la sfoglia che si assottigliava, i movimenti del polso precisi come una preghiera ripetuta.
«La Giuseppina viene domani con i figli,» disse la nonna senza alzare lo sguardo. «E il parroco fa la benedizione delle case nel pomeriggio.»
Fuori, le campane del Duomo avevano già iniziato il loro dialogo con quelle delle frazioni più vicine. Marta conosceva quell'intreccio di suoni da quando era bambina, il sabato di Pasqua le campane tornavano a suonare dopo il silenzio del Venerdì Santo, e per lei era sempre stato il segnale che qualcosa di importante stava per ricominciare. Non sapeva bene cosa.
 

Si prepararono per andare insieme a messa, come sempre. Marta non era credente ma per la nonna avrebbe fatto questo ed altro. La chiesa era piena di gente che Marta riconosceva a metà, facce che associava a nomi dimenticati, ragazze della scuola media diventate madri, compagni di liceo con i capelli grigi. Qualcuno la salutò con un «sei sempre a Milano?» detto con un tono che poteva essere ammirazione o disappunto, impossibile dirlo.
La nonna pregava con gli occhi chiusi, le mani giunte sul libro di canti, il mento leggermente abbassato. Marta la guardava di profilo e pensava a tutte le Pasque che quella donna aveva attraversato, alle guerre lontane sentite per radio, i mariti, i figli, i nipoti che arrivavano e poi partivano. Ines aveva imparato da tempo che le feste non sono mai solo gioia. Sono soprattutto memoria.
Mentre uscivano, sul sagrato, una signora anziana fermò la nonna: «Ines, che bella questa tua nipote. Somiglia tanto alla Carla.»
La Carla era sua madre.
Marta non rispose. Si limitò a sorridere, sentendo quella parola — somiglia — risuonarle dentro come un sasso nell'acqua.

Tornarono a casa a piedi, la nonna era ancora in gamba; mangiarono in due, al tavolo della cucina. I vapori dei marubini fumanti erano trafitti da un raggio di sole che entrava dalla finestra. Fuori, il melo aveva messo i primi fiori bianchi.
«Ti fermi anche lunedì?» chiese la nonna, servendo nei piatti.
«Sì, resto fino a martedì mattina.»
La nonna annuì, soddisfatta. Non chiese altro.
 

Mangiarono lentamente, con la radio accesa a basso volume su una stazione che trasmetteva musica leggera degli anni Sessanta. A un certo punto passò una canzone che Marta non riconobbe, ma che la nonna canticchiò sottovoce, gli occhi socchiusi, come se stesse guardando qualcosa lontano.
 

Marta pensò che la solitudine delle feste non scompare mai del tutto. Rimane lì, in un angolo, come un ospite che non si è invitato ma che in qualche modo fa parte della tavolata. Ma accanto a lei c'era la nonna Ines con le sue mani esperte e il grembiule a fiori, c'era il profumo dei marubini, il melo fiorito nel giardino e le campane che segnavano pigramente lo scorrere delle ore. La quiete sicura della vecchia casa di famiglia.
E per adesso bastava.

Stefano Superchi

La guerra è personale: Eugene Richards e il volto umano dell'orrore bellico.

 

Ci sono fotografie che non si dimenticano. Non perché siano spettacolari, non perché mostrino esplosioni o bandiere che sventolano su rovine. Ma perché mostrano ciò che la guerra lascia addosso a chi sopravvive. E a chi resta.
 

War Is Personal di Eugene Richards è uno di quei lavori che cambiano il modo in cui guardiamo il mondo. Pubblicato nel 2010 dalla University of Texas Press, questo libro-documento nasce da un atto di coscienza: nel 2006, al quarto anno della guerra in Iraq, Richards rimase turbato dalla crescente indifferenza dell'opinione pubblica nei confronti di una tragedia che continuava a consumarsi in silenzio. Nessuna arma di distruzione di massa era stata trovata. Eppure la macchina bellica continuava a girare, e con essa si sbriciolavano le vite di migliaia di famiglie americane.

 

Richards non va al fronte. Va nelle case. Entra nelle cucine, nei corridoi degli ospedali, nelle stanze dove si elabora il lutto. Documenta quindici storie reali, affiancando alle fotografie in bianco e nero le voci dirette dei protagonisti, soldati, padri, madri, mogli. Ogni capitolo è un mondo a sé, eppure tutte le storie convergono verso lo stesso strapiombo di orrore.

 

C'è Carlos Arredondo, padre distrutto dal senso di colpa per la morte del figlio marine, che alla notizia della perdita attacca e distrugge un furgone del Corpo dei Marines, ferendosi gravemente. C'è Tomas Young, veterano paralizzato dalla vita in giù dopo essere stato colpito alla colonna vertebrale al quarto giorno di servizio in Iraq. C'è Kimberly Rivera, soldatessa che invece di tornare in Iraq decide di fuggire in Canada. E c'è Nelida Bagley, la cui vita è assorbita dalle cure quotidiane al figlio tornato con gravissimi traumi cerebrali. Vite stravolte, non statistiche, non numeri.

Il lavoro vinse il World Press Photo 2010 nella categoria Contemporary Issues, e Richards ricevette anche l'Amnesty International Media Award, riconoscimenti che confermano la potenza etica e narrativa di questo progetto. 

Lo sguardo che la politica non vuole.

Richards, nato a Dorchester, Massachusetts, nel 1944, ha studiato letteratura inglese e giornalismo, poi fotografia con Minor White. Ma la sua formazione morale avviene nelle strade, partecipando al movimento di protesta contro la guerra in Vietnam, poi al programma AmeriCorps VISTA come volontario nelle comunità rurali più povere dell'Arkansas. Il suo sguardo non è mai stato neutrale, è sempre stato umano. 

In War Is Personal, Richards non ritrae la guerra come conflitto politico, ma come tragedia personale. È questa scelta, radicale e coraggiosa, a fare la differenza. Mentre i media misuravano il costo della guerra in miliardi di dollari e punti di consenso elettorale, lui misurava il costo in anni di vita perduta, in sonno negato, in corpi che non torneranno mai più a essere quelli di prima. 

Oggi, nel 2026, il progetto di Richards risuona con una forza che fa quasi paura. Il mondo non ha imparato. I fronti aperti si moltiplicano, dalla guerra in Ucraina al conflitto a Gaza, dalle tensioni nel Mar Cinese Meridionale alle fragilità dell'Africa subsahariana. Ogni giorno i notiziari trasmettono immagini di missili, mappe con frecce rosse, dichiarazioni tronfie e grottesche di generali e ministri. La guerra è tornata ad essere spettacolo. Qualcosa che accade "là fuori", a distanza di sicurezza dallo schermo.

Ma Richards ci ricorda che quella distanza è un'illusione. Ogni guerra ha un indirizzo, un cognome, un numero di telefono che suona a vuoto. Ogni conflitto lascia dietro di sé una scia di uomini e donne invisibili ai radar della storia, eppure reali come il pane.

L'assurdità della guerra non sta solo nelle sue cause (spesso pretestuose, quasi sempre menzognere), ma nel divario abissale tra chi la decide e chi la subisce: i primi tornano a casa interi, i secondi o non tornano affatto, o tornano cambiati per sempre.

La fotografia come atto di resistenza.

In un'epoca in cui le immagini si consumano in pochi secondi sui social, War Is Personal ci chiede di fermarci a riflettere. Di guardare davvero. Di riconoscere nell'altro, dal soldato paralizzato, alla madre che ha perso il figlio, al veterano che non si sente più a casa, il riflesso di una condizione umana condivisa.

 

Eugene Richards

Eugene Richards non urla contro la guerra con slogan o manifesti. Lo fa in modo più sottile e più devastante: ti mette di fronte a una persona. E in quella persona, se hai il coraggio di guardarla, vedi tutto ciò che la guerra distrugge e che nessun comunicato ufficiale saprà mai restituire. Questo è il valore intramontabile del fotogiornalismo di testimonianza: non spiegare la guerra, ma farla sentire, sulla pelle, nelle ossa, nell'anima.
Perché la guerra, sempre, è personale.

Stefano Superchi
 

Fonti principali:

University of Texas Press (2010), Festival della Fotografia Etica, World Press Photo, Time Magazine, eugenerichards.com